Le hautbois

Une anche double, et tout en découle

Le hautbois n’a ni bec ni embouchure. À la place, deux fines lamelles de roseau, ligaturées sur un tube métallique, que le musicien pince entre ses lèvres. L’air forcé entre elles les fait battre l’une contre l’autre, à une fréquence qui suit la note jouée : quelques centaines de battements par seconde dans le grave, plusieurs milliers dans l’aigu. C’est ce battement qui met en vibration la colonne d’air du corps de l’instrument.

Cette pièce minuscule s’appelle une anche double. La clarinette et le saxophone fonctionnent avec une anche simple, une seule lamelle vibrant contre un bec rigide, ce qui explique que le hautbois soit classé parmi les bois alors même que sa parenté avec la clarinette s’arrête à peu près là.

Reste la conséquence pratique. Les hautboïstes fabriquent eux-mêmes leurs anches. Ils achètent le roseau, le fendent, le taillent, le ligaturent sur le tube, puis le grattent au couteau, dixième de millimètre par dixième de millimètre, jusqu’à obtenir la réponse qu’ils cherchent. Une anche mal grattée rend l’instrument dur, faux, ou étouffé, quel que soit le talent de celui qui souffle dedans.

Le roseau est une matière vivante. Il réagit à l’humidité, à la température, au temps qui passe. Cette contrainte silencieuse structure le quotidien du hautboïste bien plus que le répertoire.

Un timbre qui perce sans forcer

Le son du hautbois se reconnaît immédiatement. On le décrit souvent comme nasillard, ce qui n’est pas un défaut mais une description assez juste : il est riche en harmoniques aiguës, un peu pincé, et se rapproche par moments de la voix humaine, ce qui explique qu’on lui confie si volontiers les lignes mélodiques exposées.

Cette signature tient à la géométrie. Le corps du hautbois est percé en cône étroit, et l’ouverture par laquelle passe l’air, entre les deux lamelles, est minuscule. Un filet d’air sous forte pression met en vibration une colonne conique : le résultat est un son concentré, dense, qui porte loin sans avoir besoin de puissance. C’est aussi pour cette raison que le hautbois traverse un orchestre entier sans être couvert, là où d’autres instruments doivent forcer pour émerger d’un tutti. Les compositeurs l’ont compris très tôt et lui ont confié ce qui devait être entendu.

Le corps est traditionnellement taillé dans un bois dense et sombre, la grenadille, aussi appelée ébène du Mozambique, choisi pour sa stabilité et sa finesse de grain. D’autres essences sont employées, et les instruments d’étude en matériaux composites se sont répandus : ils encaissent mieux les variations d’humidité et supportent le transport quotidien vers l’école de musique, au prix d’un timbre généralement jugé moins riche.

De la chalemie au hautbois moderne

La forme actuelle de l’instrument n’a rien d’évident : elle résulte d’une longue mise au point, et l’ancêtre du hautbois ne lui ressemblait guère.

Cet ancêtre est la chalemie, instrument à anche double du Moyen Âge et de la Renaissance, puissant, criard, conçu pour le plein air, les cortèges et les fêtes de ville. On en jouait souvent l’anche entièrement dans la bouche, sans le contrôle fin des lèvres qui caractérise le hautbois d’aujourd’hui.

Le basculement se produit en France au milieu du XVIIe siècle. On attribue traditionnellement cette refonte à des facteurs et musiciens de la cour, parmi lesquels on cite la famille Hotteterre et Michel Danican Philidor, sans que la part exacte de chacun soit établie. L’instrument est repensé pour jouer à l’intérieur, avec les cordes : perce plus étroite, corps démontable en plusieurs parties, anche plus petite tenue entre les lèvres, adjonction de clés. Le résultat se diffuse dans toute l’Europe en quelques décennies, et le hautbois devient le premier instrument à vent admis à demeure dans l’orchestre.

Le XIXe siècle apporte la dernière transformation majeure, avec le développement d’un mécanisme de clés bien plus complet, mis au point notamment par les facteurs parisiens de la famille Triébert. C’est de ce travail que descend le système dit du Conservatoire, encore majoritaire aujourd’hui.

Une lignée a pourtant résisté à cette uniformisation. Le hautbois viennois, plus proche de la perce ancienne et doté d’un mécanisme différent, est resté en usage dans les orchestres de Vienne, où il continue de donner à l’ensemble une couleur reconnaissable. Patrimoine vivant, pas figé : deux écoles de facture coexistent toujours.

Pourquoi c’est lui qui donne le la

Avant chaque concert, l’orchestre se tait, le hautbois joue une note tenue, et tout le monde s’accorde dessus. Deux raisons se combinent pour lui attribuer ce rôle.

La première tient au timbre : cette note doit être entendue distinctement par une centaine de musiciens, y compris au fond des rangs, et peu d’instruments s’imposent aussi nettement sans effort.

La seconde est plus décisive. La hauteur du hautbois est relativement stable et difficile à corriger sur le moment. Un violoniste tourne une cheville, un instrument à coulisse ajuste sa longueur : le hautboïste, lui, ne dispose que d’une marge étroite. Il est donc plus logique que l’ensemble s’aligne sur celui qui peut le moins bouger, plutôt que l’inverse.

La famille

hautbois, hautbois d’amour, cor anglais

Le hautbois usuel est celui que l’on entend le plus souvent, et sa musique s’écrit à la hauteur où elle sonne. Autour de lui gravitent deux instruments proches, qu’on distingue mieux par leur fonction musicale que par leur taille.

Le nom du cor anglais, lui, reste une énigme. Il n’est ni anglais, ni un cor. Une hypothèse fait dériver l’appellation de cor anglé, en référence à la forme coudée des premiers modèles. Une autre suppose la déformation d’un mot germanique signifiant angélique, qui aurait glissé vers anglais par ressemblance. Aucune des deux n’est établie avec certitude, et les ouvrages sérieux se gardent de trancher.

Il faut enfin éviter une confusion fréquente. Le basson est bien un instrument à anche double, et le plus grave couramment employé, mais il ne descend pas du hautbois : ce sont deux lignées distinctes, cousines par le principe de l’anche, pas par la filiation.

Difficile, le hautbois ? Pas là où on le croit

La réputation de l’instrument est solide, mais elle repose souvent sur une erreur de diagnostic. On imagine un instrument qui épuise par la quantité d’air qu’il réclame. C’est l’inverse qui se produit.

L’ouverture entre les deux lamelles est si étroite que le hautbois consomme très peu d’air. Le musicien souffle donc longtemps sans avoir besoin de reprendre son souffle, et se retrouve avec de l’air vicié dans les poumons qu’il doit expulser avant de pouvoir réinspirer. La difficulté n’est pas de trouver de l’air, mais de s’en débarrasser, et c’est cette gestion à contre-courant que les débutants trouvent déroutante.

Le reste est plus classique. La justesse dépend étroitement du contrôle des lèvres et de la pression : une même position de doigts peut sonner juste ou faux selon la façon dont l’anche est pincée, ce qui laisse peu de place à l’approximation. Et l’apprentissage des anches vient s’ajouter à celui de l’instrument, cette fois du côté de l’atelier plutôt que du pupitre : outillage à acquérir, gestes à acquérir, et une part de tâtonnement que personne n’évite au début.

Pour un enfant, les professeurs recommandent en général d’attendre que la denture définitive soit installée et qu’une première base musicale existe, ce qui situe le début un peu plus tard que pour la flûte.

Par quoi commencer pour l’écouter

Quelques repères suffisent à cerner l’instrument, à condition de choisir des œuvres qui en montrent des facettes différentes.

Chez Bach, le hautbois et le hautbois d’amour dialoguent constamment avec les voix dans les cantates et les passions : c’est là qu’on entend le mieux sa parenté avec le chant. Le Concerto en ré mineur d’Alessandro Marcello, longtemps attribué à d’autres, offre un mouvement lent devenu l’une des pages les plus jouées du répertoire.

Le Concerto pour hautbois en do majeur de Mozart, K. 314, reste la pièce de référence du répertoire classique, et sert encore de passage obligé dans les concours. Près de deux siècles plus tard, Richard Strauss compose son Concerto pour hautbois en 1945, à la toute fin de sa vie : l’idée lui en avait été suggérée par un soldat américain rencontré à ce moment-là, John de Lancie, hautboïste dans le civil.

Au XXe siècle français, Le Tombeau de Couperin de Ravel confie au hautbois des lignes exposées dès les premières mesures, et la Sonate pour hautbois et piano de Poulenc, écrite à la fin de sa vie, en montre le versant grave et intérieur.

À retenir

Tout part de l’anche double : elle fixe le timbre, impose au musicien un travail d’atelier permanent, et explique jusqu’à la difficulté de souffle qu’on attribue d’ordinaire au mauvais motif.

Le reste se déduit de là : un son qui perce sans forcer, un rôle d’accordeur de l’orchestre justifié par sa faible marge d’ajustement, et une famille de trois voix, du hautbois clair au cor anglais mélancolique.